Tanto se ne parla oggi, ma cosa potrebbe accadere nel millennio che ci aspetta?  Dal 1° ottobre 2010 al 6 marzo 2011, il Museum of London ospita London Futures, una visionaria prospettiva futura di ciò che potremmo aspettarci nel giro di qualche decennio.
Gli illustratori Robert Graves and Didier Madoc-Jones, grazie ad un sapiente uso dell’editing digitale, hanno trasformato i luoghi rappresentativi di Londra, ipotizzando un futuro all’incirca così…

Energia eolica in Piccadilly Circus.

Parliament Square è divenuta una enorme risaia.

Il Tamigi ha reso Londra una nuova Venezia.

La parata dei cammelli in una desertica Buckingham Palace.

Semplici immagini frutto di fantasia o imminente futuro?

White Fang

Dalla collaborazione tra Guggenheim Museum e Youtube nasce YouTube Play, la Biennale dei video creativi.

Il progetto è davvero originale: ricercare, scoprire e promuovere a livello internazionale i migliori talenti e i video più creativi, al fine di ampliare la nozione di video. Artisti di tutto il mondo sono chiamati a caricare sul canale Youtube dedicato le loro opere di video-arte.

Una giuria di esperti selezionerà 20 video, che saranno presentati il 21 ottobre 2010 al Museo Solomon R. Guggenheim di New York, con proiezioni simultanee nei musei Guggenheim di Berlino, Bilbao e Venezia.

Il pubblico potrà visionare i video dal 22 al 24 direttamente a New York o sul canale YouTube Play.

Il trailer realizzato per presentare YouTubePlay apre le porte alla creatività:

I partecipanti potranno presentare video nuovi o già esistenti, creati negli ultimi due anni, sul canale YouTube Play. Il video deve avere una durata massima di 10 minuti, accompagnato da un testo scritto che introduca l’opera. Sarà preso in considerazione un solo video per partecipante. La scadenza ultima è il 31 luglio, 2010 (alle ore 12 secondo il fuso orario USA Pacifico/PST, oppure ore 15 secondo il fuso orario USA Atlantico/EST).

Good luck!

La Blanche

KNARF, che ha realizzato la campagna in questione, ha saputo giocare sull’immagine e il senso comune attraverso questa installazione sulle porte principali della scuola, ricordando agli studenti della SVA la loro mission quotidiana: l’innovazione.

The_Cripple

Un creativo italiano, Guildor, in vena di:

a) autopromozione

b) tributo

(ognuno scelga la risposta preferita) entra alla mostra, appende al muro una propria opera, un orologio con una lancetta costituita da una lama da bisturi, e la attribuisce a Banksy tramite apposito cartellino.

Il gesto artistico viene ripreso da una telecamera e pubblicato da Repubblica.it.

Pare che molti dei visitatori della mostra siano caduti nel tranello di Guildor, pesce d’aprile in anticipo.

Guildor dichiara:

Le mie opere non sono mai invadenti, durano poco tempo e spesso possono essere rimosse. Questo intervento è soprattutto un gesto da fan

Anche Banksy gioca spesso su immagini pre-esistenti, spesso pubblicitarie.

We are all FAKES

Non c’è dubbio.

Ci domandiamo però quando il gesto creativo finisce e l’invasione di campo (altrui) inizia. Si può parlare di ispirazione o questo è stato solo un “consiglio per gli acquisti“?

Risposta a o b? Per farsi un’idea, è on-line il sito di Guildor e il suo canale YouTube.

Joy

La caccia, liberamente ispirato a Le Baccanti di Euripide, è uno spettacolo teatrale inconsueto, affascinante, inquietante, visivamente superbo, “drammaticamente” attuale, seppur tratto da un’opera scritta più di 2.500 anni fa. Uno spettacolo multimediale, un dramma inchiesta sull’impossibilità di rappresentare la tragedia nel mondo moderno… Una tragedia sulla modernità, fatta di follia collettiva, dalla quale è impossibile redimersi.

Interpretata da un sorprendente monologo multimediale di Luigi Lo Cascio, uno dei volti-icona del cinema e del teatro italiani, La caccia fonde il palcoscenico allo schermo cinematografico per dar vita ad un’opera unica nel suo genere.

Nella tragedia greca, Euripide mette in scena lo scontro tra Penteo, re di Tebe, e Dioniso, dio del vino, del teatro e del piacere fisico e mentale, che lamenta il fatto di non essere stato riconosciuto e venerato proprio nella sua città d’origine, Tebe. Il conflitto coinvolge tutta la comunità, le donne tebane sono indotte da Dioniso a fuggire sul monte Citerone per celebrare riti in suo onore. Il corpo sociale della città è sconvolto. Dioniso, infine, si vendicherà con i cittadini tebani, che non volevano riconoscere la sua divinità, in maniera smisurata. La sconfitta dei suoi avversari si configura come morte, esilio, distruzione, follia.

La caccia è una fusione perfetta tra teatro d’autore e le più avanzate tecnologie visive a supporto della video arte.

Penteo è l’unico personaggio in scena eppure non è solo. Alle sue spalle, le animazioni su schermo sono parte integrante dello spettacolo, come la metà di un corpo. La guida che ci accompagna nella mente degenerante di Penteo e attraverso i dubbi che via via crescono con l’infittirsi della trama, è un bambino che, dall’immaterialità dello schermo, è presente in scena più di tanti attori. (hoyloco.wordpress.com)

Assistere a La caccia è un’eperienza che lascia senza parole: dramma della tragedia, videoarte e teatro d’autore di fronte agli spettatori e alla loro anima, per far riflettere sulla “tragedia” della realtà contemporanea, per stupirci con tecniche d’animazione grafica che diventano parte integrante dello spettacolo.

Da non perdere!

La Blanche

Di evento vero e proprio si parla da ormai alcuni anni, nel caso di Artefiera: la manifestazione ha saputo uscire dai confini del proprio quartiere decentrato e ha invaso la città con decine di percorsi, micro e grandi appuntamenti dedicati al confronto tra artisti e pubblico.

L’invasione della città, Artefiera Off e Bologna Art First: opere contemporanee sono state collocate in ambienti storici della città. Nei musei di Bologna si terranno incontri con artisti, filosofi, critici. Non ultima, l’Art White Night di sabato 30 gennaio, quando i bolognesi (e non) sfideranno il freddo per vedere la città cambiare davanti ai loro occhi attraverso 50 eventi in 50 luoghi diversi.

Tra questi, naturalmente, il Mambo, Museo d’arte moderna  di Bologna, dove la mostra su Gilberto Zorio sarà aperta anche la sera.

Accanto agli eventi ufficiali, nascono feste ed esposizioni che aumentano ancora di più il valore della notte bianca. Ad esempio, la Festa Mobile porterà le opere di trenta artisti in tre bar del quartiere Santo Stefano, il Fram Bar, il Cafè Maurizio e Miki e Max. La Festa Mobile si sposterà al Mambo per la notte bianca, dalle 22.00 alle 2.00. Seguiamola!

E abbracciamo l’arte..

http://www.youtube.com/watch?v=nGfdIYgbHs0

Joy

Non per essere nostalgici a tutti i costi, ma siamo in tanti a rimpiangere il vinile: oltre alla qualità audio c’era il piacere di tenere tra le mani un bell’oggetto. Non è un caso che in questi ultimi anni, contraddistinti da facile musica liquida, siano tornati alla ribalta: certo i numeri sono molto contenuti ma sempre più artisti offrono edizioni limitate e molto curate proprio su questo supporto.

Quindi, se siete tra quelli che pensano che i dischi in vinile siano una vera e propria opera d’arte non potete perdere la mostra Vinyl Factory BOotleg, presso La Pillola 400 a Bologna.

I dischi in vinile sono diventati i protagonisti di Vinyl Factory, la mostra collettiva che MondoPOP International Gallery di Roma ha organizzato nella capitale la scorsa primavera a cura di Omino 71 e Diavù. I vinili, dipinti da artisti più o meno famosi della scena urban, neo pop, pop surrealist, dopo alcune trasferte di successo come Urban Panorama Records (all’interno del Salone Pitti Uomo 2009 lo scorso giugno a Firenze) e Vinyl Happening (all’interno della fiera d’Arte Contemporanea Step 09, lo scorso settembre a Milano), approdano a Bologna.

Fino al 27 dicembre potete dunque vedere questo originale mix di linguaggi e supporti. A proposito di linguaggi, non può mancare quello social: visitate la pagina Facebook dell’evento dove trovate una gallery di ben 35 immagini.

Mr. Writer

Decisamente curioso è il progetto promosso e gestito dal Victoria and Albert Museum di Londra insieme all’artista Sue Lawty e intitolato World Beach Project.

Il progetto nasce nel 2007 dall’idea di voler creare una mappa globale dei “tentativi” artistici fatti di sabbia e rocce: un’idea curiosa ma che ha incontrato nel tempo un successo crescente.

It’s a project that requires people to do four things that are both simple and complex: go to the beach (anywhere in the world), make a piece of art using stones, photograph it, and then send the photos to the museum via the Web. (NS)

In poco più di 2 anni sono stati più di 700 i contributi inviati al museo, e quasi 1400 i post dedicati al progetto rintracciati nella blogosfera.

Potete trovare notizie ed aggiornamenti al blog dell’iniziativa.

Mr. Writer

“Every hour, 24 hours a day, for 100 days without a break, a different person will make the Plinth their own.”

Il primo monumento  vivente fatto dalle persone.

Il Fourth Plinth (uno spazio libero generalmente dedicato alle statue di Re e Generali)  in Trafalgar Square a Londra,  è attualmente occupato, per  100 giorni consecutivi da alcuni fortunati londinesi che dietro accurata selezione, hanno ottenuto la possibilità di avere a disposizione  1 ora di tempo, per appropriarsi di tale spazio e fare tutto ciò che gli passa per la mente.

Questa è l’opera vivente dell’artista Antony Gormley:

“Every hour, 24 hours a day, for 100 days without a break, a different person will make the Plinth their own.”

Sul sito si possono vedere in tempo reale le performance, ovviamente commentarle, vedere i profili delle persone che sono state selezionate e addirittura votare e supportare i performers preferiti.

Su skyARTS poi si possono vedere tutti i  video.

Volete per caso partecipare?

Mi dispiace, ma all’opera d’arte collettiva può solo partecipare il pubblico londinese!

Miss. Somewhere

Via

Vi siete imbattuti ultimamente in qualche centro urbano un po’ fatiscente? Bene, sappiate che crepe, buche e pareti rovinate possono essere “aggiustate” lasciando perdere cemento e mattoni.

Anzi, in un certo senso, sempre di mattoni si tratta: più precisamente di mattoncini colorati, i Lego!

Questo, almeno, è quello che pensa l’artista Jan Vormann quando installa i suoi “Dispatchwork”.

Installazioni davvero originali che prendono di mira non solo palazzi, ma pure monumenti storici, muretti, cancellate. Spesso viene aiutato dalla gente del posto nella sua attività di “ristrutturazione”, in una sorta di arte collettiva.

I suoi “Dispatchwork” sono stati avvistati in Israele, Amsterdam, Berlino e pure a Bocchignano, nel Lazio.

Per farsi un’idea del suo lavoro vi consiglio di visitare il suo portfolio web, ricco di belle immagini.

Mr. Writer